Georgia O’Keeffe , (* 15. November 1887, in der Nähe von Sun Prairie, Wisconsin, USA – 6 6. März 1986, Santa Fe, New Mexico), US-amerikanische Malerin, die zu den einflussreichsten Figuren der Moderne zählte, vor allem bekannt für ihre großformatigen Gemälde von Naturformen, insbesondere Blumen und Knochen, und für ihre Darstellungen von New York City Wolkenkratzer und Architektur- und Landschaftsformen, die im Norden einzigartig sind New-Mexiko .
O’Keeffe wuchs mit sechs Geschwistern auf einer Milchfarm in Wisconsin auf und erhielt als Kind zu Hause Kunstunterricht. Während ihrer gesamten Schulzeit erkannten die Lehrer und kultiviert ihre Fähigkeit zu zeichnen und zu malen. Nach dem Abschluss von weiterführende Schule , O’Keeffe beschloss, ein professioneller Künstler zu werden.
Sie besuchte zum ersten Mal die Art Institute of Chicago (1905–06); dann ging sie nach New York City, um an der Art Students League zu studieren. O’Keeffe lernte schnell den imitativen Realismus, den Ansatz zur Bildgestaltung, der zu dieser Zeit die Grundlage aller Standardlehrpläne an Kunstschulen bildete, und gewann 1908 den William Merritt Chase-Stilllebenpreis der Liga für sie Ölgemälde Ohne Titel (Totes Kaninchen mit Kupfertopf) (1908). Da sie jedoch glaubte, sich als Malerin in der Tradition des imitativen Realismus nie profilieren zu können, gab sie ihr Engagement als Malerin ganz auf und nahm eine Stelle als Gebrauchsgrafikerin in Chicago an.
Während ihrer Zeit mit ihrer Familie im Jahr 1912 besuchte O’Keeffe einen Sommerkurs für Kunstlehrer an der University of Virginia, Charlottesville, der von Alon Bement vom Teachers College der Columbia University in New York City unterrichtet wurde. Bement machte sie mit dem damals revolutionären Denken seines Kollegen am Teachers College, des Künstlers und Kunstvermittlers Arthur Wesley Dow, bekannt. Dow glaubte an die modernistische Idee, dass das Thema der Arbeit von Künstlern ihre persönlichen Ideen und Gefühle sein sollten und dass diese am effektivsten durch die harmonische Anordnung von Linie, Farbe und sie bemerken (das japanische System der Anordnung von Licht und Dunkelheit).
Dow lehnte den nachahmenden Realismus ab und vertrat die ästhetisch eines Asiaten Kultur , seine Ideen haben bei O’Keeffe höchstwahrscheinlich einen vertrauten Nerv getroffen. Sie scheint diese Ästhetik intuitiv zu schätzen gelernt zu haben, da sie durch die Kunsthandbücher, die sie als Schülerin in der Grund- und Sekundarschule benutzte, daran herangeführt wurde. Der Ansatz von Dow, der eine Alternative zum nachahmenden Realismus, entfachte O’Keeffes Wunsch, ein professioneller Künstler zu sein. Anschließend arbeitete sie mit diesen Ideen, als sie Kunst an einer öffentlichen Schule in Amarillo, Texas (1912–1914), unterrichtete und während des Sommers als Assistentin von Bement an der University of Virginia (1913–1916) arbeitete.
Im Herbst 1915, nach einem Jahr Studium bei Dow in New York, nahm O’Keeffe eine Lehrstelle in Columbia, South Carolina, am Columbia College an. Dort suchte sie, um ihre Erforschungen von Dows Prinzipien voranzutreiben, nach rein persönlichen Ausdrucksmitteln und wandte sich der Abstraktion zu, um Werke wie Nr. 3 – Spezial (1915). Dabei ist sie transzendiert Dows Lehrtätigkeit und wurde einer von einer Handvoll amerikanischer und europäischer Modernisten, die mit diesem neuen und innovativen Ansatz der Bilderzeugung arbeiteten.
Ende 1915 schickte sie einige dieser Zeichnungen an einen ehemaligen Klassenkameraden des Teachers College, der sie Anfang 1916 erhielt und sofort in die berühmte Avantgarde-Galerie 291 in New York City brachte, die vom Fotografen und Impresario Alfred Stieglitz betrieben wurde. Beeindruckt von dem, was er sah, stellte Stieglitz im Mai 1916 10 ihrer Zeichnungen in eine Gruppenausstellung bei 291 ein, und im April 1917 förderte er eine Einzelausstellung ihrer Arbeiten.
Im Herbst 1916 zog O’Keeffe als Leiter der Kunstabteilung des West Texas State Normal College nach Canyon, Texas. Die Arbeit, die sie anschließend dort abschloss, zeigt ihre tiefgreifende Reaktion auf die weiten Ebenen und den offenen Himmel von Westtexas und insbesondere auf die dramatischen Landschaftskonfigurationen des nahe gelegenen Palo Duro Canyon. Vor allem ihre Gemälde dieser Zeit – vor allem ihre Aquarelle, wie such Sonnenaufgang und kleine Wolken II (1916), Abendstern Nr. VII (1917), und Nr. II Licht kommt auf die Ebene (1917) – zeigen ihre anhaltende Faszination für die Abstraktion als Ausdrucksmittel.
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Im Februar 1918 wurde O’Keeffe krankheitsbedingt vom Lehramt beurlaubt, später legte sie ihr Amt nieder, um Stieglitzs Angebot anzunehmen, ihre Maltätigkeit für ein Jahr zu unterstützen; Im Juni zog sie nach New York. Obwohl Stieglitz verheiratet und fast 24 Jahre älter als O’Keeffe war, verliebten sich die beiden ineinander und lebten zusammen. Sie teilten ihre Zeit zwischen der Stadt und dem Anwesen der Familie Stieglitz am Lake George in New York auf und heirateten 1924, als sich Stieglitz scheiden ließ.
Alfred Stieglitz; Georgia O'Keeffe Alfred Stieglitz und Georgia O'Keeffe. Encyclopædia Britannica, Inc.
Von 1916 bis zu seinem Tod im Jahr 1946 arbeitete Stieglitz eifrig und effektiv daran, O’Keeffe und ihre Kunst zu fördern. Er behauptete in den 1910er Jahren als einziger unter seinen Kollegen, dass die amerikanische Kunst der europäischen gleichkommen könne und behauptete, dass Frauen Kunst schaffen könnten, die der von Männern gleichen. Den kreativen Prozess setzte er jedoch mit sexuellen Energien gleich, und von Anfang an definierte er O’Keeffes Arbeit primär geschlechtsspezifisch und erklärte ihre Bildsprache zum Visuellen Demonstration einer sexuell befreiten Frau. 1921 lieferte er seinen Ideen visuelle Äquivalente, indem er eine Vielzahl von Fotografien ausstellte, die er von O’Keeffe gemacht hatte. Viele präsentierten sie nackt oder in verschiedenen Entkleidungsstadien, posierten manchmal vor ihren abstrakten Zeichnungen und Gemälden und deuteten mit Armen und Händen darauf hin.
Alfred Stieglitz: Foto von Georgia O'Keeffe Georgia O'Keeffe, Foto von Alfred Stieglitz, c. 1918; im Metropolitan Museum of Art, New York City. Das Metropolitan Museum of Art, New York; The Georgia O'Keeffe Foundation und Jennifer und Joseph Duke, 1997, 1997.61.20, www.metmuseum.org
Alfred Stieglitz: Foto von Georgia O'Keeffe Georgia O'Keeffe, Foto von Alfred Stieglitz, c. 1921; im Metropolitan Museum of Art, New York City. Das Metropolitan Museum of Art, New York; er Georgia O'Keeffe Foundation und Jennifer und Joseph Duke, 1997, 1997.61.19, www.metmuseum.org
Stieglitz’ Verbindung von O’Keeffes Abstraktionen mit ihrem Körper erregte die Fantasie der Kritiker, deren Kritiken zu ihrer nächsten Ausstellung – einer Retrospektive, die Stieglitz 1923 in den Anderson Galleries organisiert hatte – überwiegend Freudianisch waren. Von da an bis zu seinem Tod organisierte Stieglitz jährliche Ausstellungen von O’Keeffes Werken in den Anderson Galleries (1924–25), dem Intim Gallery (1925–29) und An American Place (1929–46), die beiden letzteren betrieb er selbst. In den späten 1920er Jahren war O’Keeffe zu einer der berühmtesten Künstler der Moderne in New York geworden, und Stieglitz hatte einen ausreichend starken Markt für ihre Arbeit geschaffen, um finanzielle Sicherheit und Unabhängigkeit zu genießen.
Nach ihrer Ankunft in New York im Jahr 1918 produzierte O’Keeffe weiterhin abstrakte Kunst, wie z Roter und oranger Streifen / Streifen (1919), das zu den einfallsreichsten und provokativsten Werken ihrer Karriere zählt. 1919 hatte sie aber auch begonnen, präzise zu malen abgegrenzt , erkennbare Formen, vielleicht als Reaktion auf ihr zunehmendes Bewusstsein nicht nur für fotografische Bilder, sondern auch für Stieglitz’ Ideen zu ihrer Arbeit. O’Keeffe war Mitglied der National Woman’s Party, der radikalsten feministischen Organisation des frühen 20. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten; Als solche lehnte sie die essentialistische Vorstellung ab, dass Frauen von Natur aus eine Reihe besonderer Charaktereigenschaften besitzen. Dementsprechend wehrte sie sich vehement gegen geschlechtsspezifische Interpretationen ihres Werks sowie gegen das sexualisierte öffentliche Bild, das Stieglitz von ihr geschaffen hatte. In dem Versuch, dieses öffentliche Image umzugestalten, begann sie – nach der Ausstellung der Anderson Galleries von 1923 – sich als ernsthafte, hart arbeitende Profis zu präsentieren. In veröffentlichten Interviews und in den von Stieglitz und anderen Fotografen gemachten Fotografien von ihr begann sie zu pflegen ein öffentliches Bild, das war antithetisch zu der, die Stieglitz 1921 in seiner Werkausstellung von ihr präsentiert hatte.
Alfred Stieglitz: Foto von Georgia O'Keeffe Georgia O'Keeffe, Foto von Alfred Stieglitz, c. 1918; im Metropolitan Museum of Art, New York City. Das Metropolitan Museum of Art, New York; Geschenk von David A. Schulte, 1928, 28.127.1, www.metmuseum.org
Da O'Keeffe glaubte, dass ihre Abstraktionen die Hauptquelle für Missverständnisse ihrer Kunst seien, schränkte O'Keeffe außerdem ihre Produktion solcher Stücke ein und beschränkte ihre Aufnahme in Ausstellungen ihrer Werke, die Stieglitz nach 1923 organisierte Mitte der 1920er Jahre hatte sie ihren Schwerpunkt verlagert, um sich als Malerin erkennbarer Formen neu zu definieren, für die sie bis heute am bekanntesten ist. Ihre nachfolgenden Darstellungen erkennbarer Motive waren voll von abstrakten Formen, die sie in den 1910er Jahren als ihre eigenen identifiziert hatte, darunter Ovale, Haken- oder V-Formen und Spiralen. Ihre großformatigen Blumenbilder – präzise wiedergegeben und wie durch eine Lupe betrachtet – wurden von Kritikern oft als weiterer Beweis für ihre weibliche Natur als Grundlage ihrer Kunst bezeichnet; diese Arbeiten machten jedoch meist auf die Zentren der Blumen aufmerksam, die zum größten Teil androgyn und somit nicht ausschließlich weiblich. Als O’Keeffe sich in den 1920er Jahren sowohl mit natürlichen als auch mit menschengemachten Formen auseinandersetzte, schuf sie einige ihrer markantesten Gemälde, wie zum Beispiel Schwarze Iris (1926) und Radiator Bldg.-Nacht, New York (1927). Weil alle ihre Bilder die modernistische Ästhetik von weniger ist mehr ansprechen und weil viele auf Manipulationen angewiesen sind intrinsisch der Fotografie, wie Freistellen und Nahaufnahmen, zeigen ihre anhaltende Faszination für die Fotografie, modernistische Ideen und die Ästhetik der asiatischen Kunst.
Georgia O'Keeffe: Jimson Weed/Weiße Blume Nr. 1 Jimson Weed/Weiße Blume Nr. 1 , Öl auf Leinwand von Georgia O'Keeffe, 1932; im Crystal Bridges Museum of American Art, Arkansas. 121,9 × 101,6 cm. Edward C. Robison III/ 2016 Georgia O'Keeffe Museum/DACS
Trotz des beruflichen und künstlerischen Wachstums, das sie in New York erlebte, wusste O’Keeffe Ende der 1920er Jahre, dass weder die Dynamik der Stadt noch die üppige Landschaft des Lake George ihre kreativen Bemühungen unterstützen konnten. Hin- und hergerissen zwischen dem Bedürfnis, neue Impulse für ihre Kunst zu suchen, und ihrer Loyalität zu Stieglitz, beschließt sie, den Sommer 1929 in New Mexico zu arbeiten, das sie 1917 zum ersten Mal kurz besucht hatte. Dort entdeckte sie eine Landschaft wieder Umgebung so aufregend für sie war, wie die Landschaft in Westtexas in den 1910er Jahren gewesen war; tatsächlich würde es ihre Kreativität für viele Jahre aufrechterhalten.
Georgia O'Keeffe: Lake George Reflections Lake George Reflections , Öl auf Leinwand von Georgia O'Keeffe, Datum unbekannt; in einer Privatsammlung. In einer Privatsammlung
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