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Einer der Großen Renaissance Maler, Leonardo da Vinci ständig erprobte künstlerische Traditionen und Techniken. Er schuf innovative Kompositionen, untersuchte die Anatomie, um den menschlichen Körper genau darzustellen, betrachtete die menschliche Psyche, um den Charakter zu veranschaulichen, und experimentierte mit Methoden zur Darstellung von Raum und dreidimensionalen Objekten auf einer zweidimensionalen Oberfläche. Das Ergebnis seiner unerschöpflichen Neugier sind viele unvollendete Projekte, aber auch einige der lebensechtesten, komplexesten und zartesten Darstellungen der menschlichen Natur. Seine Experimente beeinflussten die Kunst seiner Nachfolger und wurden in den folgenden Jahrhunderten oft zum Standard der Darstellung. Bei seinem Tod im Jahr 1519 hinterließ Leonardo viele Notizbücher mit Notizen und Skizzen, aber nur sehr wenige fertige Werke. Einige seiner Werke wurden von Assistenten fertiggestellt, andere gingen verloren, wurden zerstört oder übermalt. Unten sind 10 Beispiele einiger seiner bekanntesten erhaltenen Werke.
Leonardo da Vinci: Mona Lisa Mona Lisa , Öl auf Holztafel von Leonardo da Vinci, ca. 1503–19; im Louvre, Paris. Everett-Art/Shutterstock.com
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Das berühmteste Kunstwerk der Welt, das Mona Lisa zieht Tausende von Besuchern in die Louvre Museum jeden Tag, von denen viele vom mysteriösen Blick und dem rätselhaften Lächeln des Dargestellten gezwungen werden. Auch das scheinbar gewöhnliche Porträt einer jungen Frau, bescheiden gekleidet in einen dünnen Schleier, düstere Farben und ohne Schmuck, könnte seine Betrachter verwirren, die sich vielleicht fragen, worum es bei der ganzen Aufregung geht. Die Einfachheit des Gemäldes täuscht über Leonardos Talent für Realismus. Das sanft modellierte Gesicht des Subjekts zeigt seinen gekonnten Umgang mit Sfumato, einer künstlerischen Technik, die subtile Abstufungen von Licht und Schatten anstelle von Linien verwendet, um Formen zu modellieren. Der zart bemalte Schleier, die fein gearbeiteten Locken und die sorgfältige Wiedergabe des gefalteten Stoffes zeigen Leonardos unermüdliche Geduld bei der Wiederholung seiner studierten Beobachtungen. Darüber hinaus trägt der verblüffende Ausdruck der Dargestellten nur zu ihrem Realismus bei. Ihr Lächeln kann einnehmend oder spöttisch sein – die Zuschauer können es nicht ganz verstehen, weil sie wie ein Mensch eine komplexe Figur ist, die gleichzeitig gegensätzliche Eigenschaften verkörpert.
Leonardo da Vinci: Das letzte Abendmahl Das letzte Abendmahl , Wandgemälde von Leonardo da Vinci, c. 1495–98, nach Abschluss der Restaurierung 1999; in Santa Maria delle Grazie, Mailand. Bilder Group/REX/Shutterstock.com
Eines der berühmtesten Gemälde der Welt, das Das letzte Abendmahl wurde von Ludovico Sforza, Herzog von Mailand und Patron Leonardos während seines ersten Aufenthalts in dieser Stadt, für das Dominikanerkloster Santa Maria delle Grazie in Auftrag gegeben. Leonardo stellt eine sequentielle Erzählung dar und illustriert mehrere eng miteinander verbundene Momente in den Evangelien, darunter Matthäus 26:21-28, in denen Jesus erklärt, dass einer der Apostel ihn verraten wird, und dann die Eucharistie . Leonardo, der fasziniert war von der Art und Weise, wie sich der Charakter eines Mannes in Haltung, Ausdruck und Gestik offenbaren kann, schilderte die einzigartige Reaktion jedes Schülers auf die Erklärung. Die Körperhaltungen der Apostel heben, senken, dehnen sich und verflechten sich, während sie um Jesus, der gelassen in der Mitte sitzt, zu flüstern, zu schreien, zu trauern und zu debattieren scheinen. Aufgrund von Leonardos experimenteller Maltechnik, bei der er Tempera- oder Ölfarbe auf zwei Schichten vorbereitenden Grundes verwendete, begann das Werk bald nach seiner Fertigstellung zu zerfallen. Der Betrachter kann es jedoch immer noch als eine komplexe Studie unterschiedlicher menschlicher Emotionen erkennen, die sich in einer täuschend einfachen Komposition offenbart.
Leonardo da Vinci: Vitruvianischer Mensch Vitruvianischer Mensch , Zeichnung von Leonardo da Vinci, c. 1490; in der Gallerie dell'Accademia, Venedig. Creatas / Getty Images
Leonardos Federzeichnung Vitruvianischer Mensch stammt aus einem der vielen Notizbücher, die er während seiner reifen Jahre zur Hand hatte. Begleitet werden sie von spiegelverkehrten Notizen zu den idealen menschlichen Proportionen, die der römische Architekt Vitruv in einem Architekturbuch aus dem 1. Jahrhundert v. Chr. niedergelegt hat. Die Zeichnung veranschaulicht Vitruvs Theorie, dass der ideale Mensch in einen Kreis und ein Quadrat passen könnte, zwei unvereinbare Formen. Leonardo löste das Konzept auf, indem er eine männliche Figur in zwei übereinanderliegenden Positionen zeichnete – eine mit ausgestreckten Armen, um in ein Quadrat zu passen, und eine andere mit in einem Kreis gespreizten Beinen und Armen. Das Werk zeigt nicht nur Leonardos Bemühen, bedeutende Texte zu verstehen, sondern auch seinen Wunsch, sie zu erweitern. Er war nicht der erste, der Vitruvs Konzepte illustrierte, aber seine Zeichnung wurde später zur ikonischsten, auch weil ihre Kombination aus Mathematik, Philosophie und Kunst ein passendes Symbol der Renaissance zu sein schien. Die Zeichnung befindet sich jetzt im Gallerie dell’Accademia, Venedig , wo es normalerweise nicht ausgestellt, sondern in einem klimatisierten Archiv aufbewahrt wird.
Leonardo da Vinci: Selbstporträt Selbstporträt, Zeichnung von Leonardo da Vinci, c. 1490/1515–16; in der Königlichen Bibliothek, Turin, Italien. Photos.com/Jupiterimages
Lange als Selbstporträt angesehen, ist die Rötelzeichnung eines alten Mannes mit langem, gewelltem Haar und Bart so weit reproduziert, dass sie die Vorstellung der meisten Menschen von Leonardos Aussehen bestimmt. Einige Gelehrte argumentieren jedoch, dass die Figur mit ihren zerklüfteten Zügen, der gerunzelten Stirn und den niedergeschlagenen Augen viel älter erscheint als das Alter, das Leonardo jemals erreicht hat; Leonardo starb im Alter von 67 Jahren. Sie vermuten, dass es sich bei der Zeichnung um eine seiner grotesken Zeichnungen handelt, Skizzen, die er gewöhnlich in seinen Notizbüchern von Menschen mit exzentrischen Zügen anfertigte. Für wen auch immer das Porträt steht, es ist eine Abkehr von Leonardos oft fesselnden Themen, dennoch ist es ihm gelungen, der Figur den Adel und die Weisheit eines reifen Zeitalters zu verleihen.
Leonardo da Vinci: Die Jungfrau der Felsen Die Jungfrau der Felsen , Öl auf Holz von Leonardo da Vinci, 1483–86; im Louvre, Paris. Giraudon/Art Resource, New York
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Aufgrund stilistischer Beweise betrachten viele Gelehrte das Gemälde als Die Jungfrau der Felsen im Louvre das erste von zwei Gemälden, die Leonardo aus einer apokryphen Legende geschaffen hat, in der die Heilige Familie auf der Flucht nach Ägypten den Heiligen Johannes den Täufer trifft Herodes Das Massaker der Unschuldigen. Leonardo war in einen jahrelangen Rechtsstreit mit der Bruderschaft der Unbefleckten Empfängnis verwickelt, die das Werk in Auftrag gab, und der Streit führte schließlich dazu, dass Leonardo um 1508 eine weitere Version des Themas malte, die heute in der National Gallery of London untergebracht ist.
Das erste Gemälde zeigt die Art und Weise, wie Leonardo die Hohe einleitete Renaissance . Frühe Gemälde aus dieser Zeit zeigten oft Figuren in linearen Anordnungen, getrennt voneinander und steif in der Form. Im Die Jungfrau der Felsen , jedoch sind die Figuren der Jungfrau Maria, des Christuskindes, des Johanneskindes und eines Erzengels pyramidenförmig angeordnet und besetzen nicht nur überzeugend einen Raum, sondern interagieren durch Gesten und Blicke miteinander. Eine jugendliche Maria sitzt auf dem Boden in einer geheimnisvollen Felslandschaft, nicht auf einem Thron, wie sie so viele Gemälde der Frührenaissance darstellen. Ihr Körper ist in Bewegung – er scheint zu schwanken, als sie den Kopf schützend dem kleinen Johannes zuwendet, der links im Gebet kniet, und sie sieht aus, als würde sie ihn rechts zum Christkind hinüberstoßen. Jesus wiederum segnet Johannes als Erzengel, von hinten gesehen in komplexer Pose, zeigt auf Johannes und blickt den Betrachter undurchschaubar nach außen. Leonardo schloss auch traditionelle heilige Signifikanten aus – fast für Maria und Christus und einen Stab für Johannes – damit die Heilige Familie weniger göttlich und menschlicher erscheint.
Leonardo da Vinci: Kopf einer Frau Kopf einer Frau (auch genannt Die Scapigliata ), Öl-, Erd- und Bleiweißpigmente auf Pappelholz von Leonardo da Vinci, 1500–10; in der Nationalgalerie, Parma, Italien. Alfredo Dagli Orti/REX/Shutterstock.com
Kopf einer Frau , eine kleine Pinselzeichnung mit Pigment, zeigt eine junge Frau mit geneigtem Kopf und gesenktem Blick. Ihre Haltung erinnert an die Jungfrau Maria in Leonardos Die Jungfrau der Felsen , was darauf hindeutet, dass die Zeichnung als Vorlage gedient haben könnte. Der Spitzname der Zeichnung, Die zerzausten , übersetzt in zerzaust und bezieht sich auf die eigenwilligen Haarsträhnen der jungen Frau. Die locker skizzierten Ranken und Schultern kontrastieren mit dem hochgearbeiteten Gesicht, in dem Leonardo die zarten Züge der Frau von ihren schweren Augenlidern bis zu ihren zarten Lippen sanft modelliert. Es zeigt Leonardos fließende Arbeitsweisen, die sowohl ausdrucksstarke Zeichnungen zur Formgebung als auch kontrollierte Schichtungen zur Bereitstellung von Details verwendet.
Leonardo da Vinci: Dame mit Hermelin Dame mit Hermelin , Öl auf Holz von Leonardo da Vinci, c. 1489–91; im Nationalmuseum, Krakau, Polen. ALIK KEPLICZ/AP/REX/Shutterstock.com
Viele Kunsthistoriker identifizieren die junge Frau in Dame mit Hermelin als Cecilia Gallerani, die Geliebte von Leonardos Mäzen Ludovico Sforza, Herzog von Mailand. Der Hermelin wurde oft als Emblem für den Herzog verwendet. Die Frau dreht den Kopf nach rechts, ihre leuchtenden Augen scheinen auf etwas außerhalb des Bildes gerichtet zu sein. Obwohl das Gemälde stark übermalt wurde, insbesondere der dunkle Hintergrund, zeigt es dennoch Leonardos Kenntnisse der Anatomie und seine Fähigkeit, Charaktere in Haltung und Ausdruck darzustellen. Er fängt die Jugend und das herzliche Wesen des Mädchens in ihren arglosen Zügen, dem aufmerksamen Blick und der zärtlichen Umarmung des Hermelins ein, das mit majestätischem und wachem Kopf sitzt. Ihre schlanke Hand offenbart die komplizierte Knochenstruktur unter der Haut, so wie der Hermelinkopf den Schädel unter dem fein gerenderten Fell suggeriert.
Leonardo da Vinci: Salvator Mundi Salvator Mundi , Öl auf Nussbaumholz, vermutlich von Leonardo da Vinci gemalt, ca. 1500. Geoff Pugh/REX/Shutterstock.com
Das Frontalportrait von Salvator Mundi (ca. 1500; Retter der Welt) machte 2017 Schlagzeilen, als es bei einer Auktion für rekordverdächtige 450,3 Millionen US-Dollar verkauft wurde. Umso überraschender war der hohe Preis Salvator Mundi war in einem schlechten Zustand, hatte eine fragwürdige Geschichte und seine Zuschreibung war Gegenstand von Diskussionen unter Wissenschaftlern und Kritikern. Viele Experten machten Bemerkungen über die geringe Fähigkeit, das Gesicht Jesu darzustellen; die steife Haltung, die den charakteristischen verdrehten Posen des Renaissancemeisters so unähnlich war; und die wenig überzeugende Darstellung der Glaskugel, die, wenn sie massiv wäre, eine verzerrte Ansicht ihrer Halterung widerspiegelte, ein optischer Trick, von dem Leonardo gewusst hätte. Christie's, das Auktionshaus, das den Verkauf leitete, wies die Kritik zurück und stellte fest, dass jeglicher Mangel an Handwerk das Ergebnis einer umfangreichen Restaurierung in den vergangenen Jahrhunderten war, und wies auf die weiche Modellierung der rechten Hand Jesu und die Finesse seiner engen Locken hin, beides Eigenschaften das ähnelte Leonardos Technik. Das Auktionshaus behauptete auch, dass Restauratoren bestätigt hatten, dass das Gemälde aus den gleichen Materialien besteht, die Leonardo verwendet hätte, insbesondere Ultramarin, ein teures, hochwertiges blaues Pigment, das oft ausschließlich Virtuosen vorbehalten ist. Die Zuschreibungsdebatte ging noch lange nach dem Verkauf weiter, aber das Interesse an dem Werk und die hohe Auktionssumme zeugten von Leonardos anhaltender Berühmtheit und seiner einflussreichen Position im kunsthistorischen Kanon fünf Jahrhunderte nach seinem Tod.
Zusammenfassung des Buches Ruth
Leonardo da Vinci: Ginevra de' Hate Ginevra de' Hate , Öl auf Holz von Leonardo da Vinci, c. 1474/78; in der National Gallery of Art, Washington, D.C. Courtesy National Gallery of Art, Washington, D.C. (Ailsa Mellon Bruce Fund; Zugangsnr. 1967.6.1.a)
Das Porträt von Ginevra de’ Benci befindet sich in der National Gallery of Art in Washington, D.C. und ist das einzige Gemälde von Leonardo, das in der westlichen Hemisphäre öffentlich ausgestellt wird. Es ist eines von Leonardos frühesten Werken, das mit Anfang 20 fertiggestellt wurde und einige der unkonventionellen Methoden zeigt, die er während seiner gesamten Karriere anwenden würde. Inspiriert von seinen nordischen Zeitgenossen brach Leonardo mit der Tradition, indem er die feierliche junge Frau in einer Dreiviertelpose anstelle des üblichen Profils darstellte und damit möglicherweise der erste italienische Künstler war, der eine solche Komposition malte. Er verwendete weiterhin die Dreiviertelansicht in allen seinen Porträts, einschließlich der Mona Lisa , und es wurde schnell zum Standard für Porträts, so allgegenwärtig, dass die Betrachter es heute als selbstverständlich betrachten. Leonardo könnte auch seine Finger benutzt haben, als die Farbe noch klebrig war, um Ginevras Gesicht zu modellieren, wie die Fingerabdrücke in der Farboberfläche nahelegen.
Auf der Rückseite des Gemäldes umgibt ein Lorbeer- und Palmenkranz einen Wacholderzweig ( Wacholder auf Italienisch – ein Wortspiel mit dem Namen des Dargestellten) und eine Schriftrolle mit dem lateinischen Ausdruck Schönheit ziert Tugend umrankt jede der Pflanzen. Das abgeschnittene Erscheinungsbild der Rückseite deutet darauf hin, dass das Gemälde möglicherweise am unteren Rand geschnitten wurde, möglicherweise aufgrund von Wasser- oder Feuerschäden. Einige Gelehrte spekulieren, dass das Porträt auf der Vorderseite Ginevras Hände enthalten hätte und schlagen vor, dass eine Silberstiftstudie von Armen und Händen in Schloss Windsor möglicherweise als Vorzeichnung gedient haben.
Leonardo da Vinci: Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna , Öl auf Holztafel von Leonardo da Vinci, ca. 1503–19; im Louvre, Paris. Foto, mit freundlicher Genehmigung von Giraudon – Art Resource, New York
Einige Gelehrte glauben, dass Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna war Leonardos letztes Gemälde, und in diesem Werk verwendete er viele der Konventionen, die er im Laufe seiner Karriere etabliert hatte, um drei Generationen der Heiligen Familie darzustellen – die heilige Anna, ihre Tochter, die Jungfrau Maria und das Christuskind. Anne, an der Spitze der pyramidenförmigen Komposition, beobachtet Maria, die auf ihrem Schoß sitzt, wie die Jungfrau das Christkind zärtlich davon abhält, ein Lamm zu besteigen. Im Gegensatz zu dem wissenden Säugling Leonardo, der in . abgebildet ist Die Jungfrau der Felsen , die Christusfigur im Die Jungfrau und das Kind mit der Heiligen Anna wirkt unschuldig, zeigt spielerisches jugendliches Verhalten und zeigt einen vertrauensvollen Gesichtsausdruck, als er den Blick seiner Mutter erwidert. Die Interaktionen zwischen den Figuren fühlen sich intim an und zeigen Leonardos Fähigkeit, überzeugende menschliche Beziehungen darzustellen.
Das Gemälde zeigt auch Leonardos lebenslanges Interesse, den dreidimensionalen Raum auf einer zweidimensionalen Oberfläche glaubwürdig darzustellen. Wie in vielen Gemälden Leonardos sitzen die Figuren inmitten einer fantastischen Landschaft. Mit der Luftperspektive, einer Technik, über die er in seinem Abhandlung über Malerei , schuf Leonardo die Illusion der Distanz, indem er die Felsformationen im Hintergrund so bemalte, dass sie blaugrau und weniger detailliert als die Landschaft im Vordergrund erscheinen. Er verwendete diese Technik in vielen Landschaften seiner früheren Werke, einschließlich der Mona Lisa und Die Jungfrau der Felsen .
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